A lo largo de la historia, el diseño ha ejercido influencia sobre cómo nos desenvolvemos en diferentes ambientes. Aunque, en su esencia, la funcionalidad de los espacios no ha cambiado significativamente pues el comedor sigue siendo el lugar para comer y el de la cocina para cocinar, el concepto que tenemos de ellos sí ha evolucionado.

Un espacio puede ser habitado de maneras infinitamente diversas, incluso con una disposición similar y esto se debe, en gran medida, a las experiencias y comportamientos que cada individuo trae consigo. Según la perspectiva del investigador estadounidense Donald A. Norman, los seres humanos establecemos una conexión directa con los entornos y sus objetos cuando nuestro cerebro los somete a procesos que abarcan desde un nivel inconsciente y visceral 3⁄4donde formamos juicios3⁄4 hasta el nivel conductual, donde respondemos a estímulos, para finalmente llegar al nivel consciente y reflexivo, en el cual aprendemos y conceptualizamos estas experiencias.

En cierto modo, más allá de los aspectos puramente cognitivos del cerebro humano, un elemento crucial al seleccionar un objeto o al comportarse en un entorno de diseño es el componente emocional. Consideremos, por ejemplo, el simple acto de preparar una taza de café, una rutina tan común y profundamente humana que se puede vivir de maneras diversas.

Por un lado, está la experiencia de hacerlo con la cafetera italiana de acero inoxidable de Alessi –diseñada por Aldo Ross– que al ser un objeto de deseo suele ocupar un lugar destacado en las estanterías de las cocinas, más como una pieza decorativa que como un utensilio de uso diario.

Otra opción es optar por el ritual matutino con una icónica prensa francesa diseñada por Faliero Bondanini, una alternativa un poco más práctica que la Alessi, que igualmente requiere cuidado y mantenimiento. Esta elección habla de un enfoque más bohemio y pausado.

Por último, existe la posibilidad de calentar agua en el microondas, abrir un paquete y verter una cucharada de café instantáneo Buen Día, cuyo empaque fue diseñado por Jaime Gutiérrez Lega. Tomarse el café de esta manera implica un enfoque de menor esfuerzo, permitiendo continuar con las actividades cotidianas sin interrupciones significativas.

Cualquiera de estas tres opciones es igualmente válida y la elección depende, en definitiva, de la conexión emocional que establecemos con cada uno de estos diseños y rituales.

Para la primera edición de Design House Colombia, se invitó a que los diez estudios de diseño participantes se adentraran en la significancia tipológica que representa el espacio que cada uno intervino. A que se adentraran y se conectaran conceptos con vivencias personales que estuvieran representadas en: una cocina, un estudio, una habitación, una sala, un patio, un corredor o un espacio sin otra razón diferente a la de estar presente.

Como resultado, cada uno de ellos dejó una huella emocional de lo que para ellos significa conectar con el espacio.

En el corazón de Colombia, Zuahaza surge como un proyecto apasionado por los oficios tradicionales y la preservación cultural. Fundado en 2019 por Tatiana Ordoñez, una artista textil comprometida, este estudio tiene como objetivo rescatar las técnicas ancestrales que están desapareciendo en el tiempo.

El esfuerzo de estas mujeres culminó en una línea exclusiva para exportación con diseños innovadores, permitiendo a las artesanas vender sus creaciones a precios justos y asegurando la transmisión de sus habilidades a las generaciones futuras. Colaborando con tres comunidades de artesanos en diferentes regiones, Zuahaza abraza la diversidad cultural y técnica de Colombia. Desde tejedoras de algodón en Santander hasta artesanos de fique y tejedoras de cestería en Boyacá, el proyecto se basa en el intercambio mutuo de conocimientos y la construcción de relaciones a largo plazo.

La responsabilidad social y ambiental es esencial para Zuahaza, adoptando prácticas de economía circular mediante el uso exclusivo de fibras orgánicas y biodegradables. Transformando retazos de tela en accesorios únicos, la marca reduce el desperdicio y fomenta la reutilización. En el corazón del pepyecto está la creencia en la colaboración y el compromiso colectivo y el nombre, que significa "mi hermana", refleja la filosofía de la empresa, donde las decisiones se toman en conjunto, cada miembro del equipo es valorado y se invierte en relaciones a largo plazo. Con un taller en Barichara y producción dispersa en hogares y talleres comunitarios, Zuahaza se integra en las comunidades colaboradoras.

Las técnicas empleadas, como el tejido con telares de pie y la cestería en rollo, son tradiciones rescatadas de los indígenas guanes y laches. Combinadas con un enfoque en la economía circular, han dado lugar a productos únicos y sostenibles que resaltan la rica herencia cultural de Colombia. Zuahaza no sólo teje piezas excepcionales, sino también lazos sólidos de colaboración y respeto en las comunidades que toca. En un esfuerzo por encarnar la hermandad colectiva entre mujeres en Colombia, la marca se esfuerza por conectar a mujeres de todo el país y crear productos que reflejen la diversidad, historia y sueños como expresiones de unidad y paz en Colombia.

Folies es un estudio de diseño colombiano que recientemente ha dejado su huella en el mundo del mobiliario desde su fundación en 2015, resultado de la unión de las mentes creativas y apasionadas de Jimena Londoño, arquitecta, y Eugenia Robledo, diseñadora industrial. Su misión ha sido clara; crear nuevos clásicos atemporales de alta calidad que cuenten con la capacidad de perdurar y resistir las tendencias efímeras que dominan el mundo del interiorismo. Lo que distingue a Folies es su habilidad para fusionar el pasado, el presente y prevenir el futuro, dando como resultado sillas, sillones, consolas y decoraciones ornamentales, entre otras, que se alejan de los diseños que dominan actualmente. Exploran formas, texturas y colores que a menudo se inspiran en el pasado y forman una sinergia entre lo tradicional y las necesidades actuales. Además de enfocarse en los diseños que evocan un aire clásico, Folies dedica especial atención a los materiales que se emplean y a la incorporación de técnicas modernas en sus procesos, para asegurarse de que el resultado final siempre se convierta en legado para las generaciones futuras.

Actualmente, el catálogo de este estudio se compone de tres colecciones permanentes, cada una con su propio estilo y encanto. La colección "Fifties" se inspira en el mobiliario de las décadas de los años 50 y 60, logrando regresar a los colores y siluetas que en algún momento dominaron a los hogares, con el propósito de brindar un toque de nostalgia a los hogares. "Marzzo", por otro lado, es la reinterpretación de los conceptos clásicos del interiorismo, al utilizar materiales mucho más asequibles y procesos industriales contemporáneos que traen a la modernidad los diseños tradicionales. Y finalmente "Loos", la cual es una representación conceptual de la purificación del diseño, que toma como principal inspiración la geometría y la simplicidad elegante para fabricar piezas de calidad. Cada creación de Folies es una obra de arte que equilibra la forma y la función en su máxima expresión.

Adicionalmente, Folies amplió su catálogo en 2022 cuando lanzó la serie "JGL" que rinde homenaje al gigante Jaime Gutiérrez Lega, cuya obra ha dejado una profunda huella en la historia del diseño industrial en Colombia y es una de las principales inspiraciones de las fundadoras.

Con su visión innovadora y su compromiso con la creación de piezas que resisten la prueba del tiempo, Folies se ha convertido en un nombre destacado en la escena del diseño en Colombia y en Latinoamérica. El trabajo de Folies es una invitación a explorar la historia, la creatividad y la funcionalidad que se encuentra en cada pieza de mobiliario, y como estas pueden ser una expresión artística que trasciende las épocas, desafía los límites de la industria, con piezas que encarnan la belleza y la atemporalidad.

Maremoto es un emocionante proyecto artístico de origen mexicano, concebido por una colaboración entre madre e hija: Maxine Alvarez y Natalia Ramos. Mientras Natalia ha desarrollado su práctica artística en el ámbito de la escultura, su madre ha alcanzado un reconocimiento destacado como ceramista a lo largo de los años. Y así fue como estas talentosas se unieron para crear una plataforma de arte utilitario que desafía los límites convencionales de la función y la forma en cada objeto.

El nombre "Maremoto" evoca imágenes de mareas altas y aguas en movimiento, por lo que la esencia del proyecto nace del juego y la experimentación. Maremoto busca elevar la simplicidad y la delicadeza de la vida cotidiana a través de sus piezas enfocándose en que cada una de ellas se convierta en un compañero de vida en los hogares y en las historias personales de quienes las adquieren.

La primera colección del estudio fue lanzada a principios de 2023, y es un testimonio de su originalidad y habilidades, trabajando con distintos materiales y experimentando con conceptos del mundo del diseño. Esta serie abarca una variada gama de piezas elaboradas a partir de metal y de cerámica, incluyendo celosías, porta flores de mesa y de piso, así como jarrones y ensambles. La diversidad de estas concepciones resalta su capacidad para jugar y divertirse con distintos materiales, texturas y técnicas, lo que resulta en obras únicas en su clase que combinan lo artístico con la vida diaria.

La historia de este estudio trae consigo un juego de duplicidad entre sus creadoras y la sinergia de materiales que utilizan. Otro ejemplo de su variedad y dualidad es su línea de productos más pequeños y sencillos, como tazas, tequileros y platos, que llevan la misma esencia y atención al detalle que caracteriza a todo su trabajo y que contrasta con los grandes jarrones, porta flores, esculturas y obras de arte.

El showroom de Maremoto se encuentra ubicado en la calle Doctor Erazo 172, en el emblemático espacio creativo de la Ciudad de México, LAGUNA, donde el arte y la experimentación se entrelazan. Este espacio se ha convertido en el escaparate perfecto para apreciar la profundidad de su talento artístico y su pasión por la artesanía de alta calidad.

Como lo dice su manifiesto “un contenedor de vida y quietud que combina la belleza artística con la funcionalidad en perfecta armonía”. Maremoto es más que un proyecto, es una manifestación del arte en la vida diaria, una invitación a vivir rodeado de belleza y significado.

En 2019 nació Higo Ceramics, en Buenos Aires, Argentina, un proyecto de cerámica gres imaginado y traído a la vida por Barb Combellas, una artista que decide enfocarse en el proceso artesanal y en el estado más orgánico y natural de la cerámica. Este emprendimiento destaca por su enfoque en la utilidad y la belleza de los jarrones, floreros y decoraciones que crean, así como por su profundo compromiso con las técnicas tradicionales y el arte.

Las creaciones de este taller son piezas ornamentales diseñadas para decorar el hogar,considerando que cada espacio es diferente y extremadamente personal. Higo Ceramics logra emitir una magia representativa de la marca mediante el uso de pastas coloreadas con óxidos y pigmentos, acompañadas de una textura de arena que deja su huella única en cada pieza. Una característica que llama la atención en la obra de Barb es la intencional ausencia de esmalte en gran parte de la superficie, lo que confiere a cada creación una sensación de rusticidad refinada. La ceramista utiliza recortes de pastas coloreadas, a veces creando un collage de formas y contrastes, lo que aporta un toque de aleatoriedad y sorpresa a su proceso creativo.

El proceso creativo de Higo Ceramics se encuentra profundamente influenciado por las formas geométricas de las molduras, herrerías y detalles históricos que embellecen la ciudad de Buenos Aires, como sus calles tradicionales y sus icónicas edificaciones. Otra fuerte fuente de inspiración para este estudio son los movimientos artísticos y los diseños arquitectónicos de Argentina. Es un homenaje al patrimonio Art Déco, Art Nouveau y Postmodernista de la ciudad, fusionando de manera armoniosa la estética con la funcionalidad. Cada serie de jarrones representa un conjunto de obras inigualables, todas meticulosamente moldeadas a mano y diseñadas para complementar a la perfección cualquier espacio interior que guste de elegante simplicidad.

Las obras de Higo Ceramics se comercializan en Casa Social, donde se venden colecciones de piezas únicas de manera exclusiva, por su tienda online o física. Esta colaboración le ayuda a la artista a liberarse de la presión de la venta, y le permite enfocarse en lo que más me gusta hacer: “la creación de los objetos".

Higo Ceramics es mucho más que cerámica; es un viaje de arte, inspiración y amor por la belleza de la arquitectura que reside en la funcionalidad. Cada producto terminado es una obra maestra que refleja la pasión y el compromiso de su creadora por el arte utilitario y la artesanía en su forma más pura. Higo Ceramics celebra el azar y la individualidad en cada elemento, celebrando las variaciones imprevisibles en la materialidad a menudo dan carácter a las obras finales, haciéndolas aún más especiales.

“Si México fuera una piedra, sería una muy rugosa, colorida, caótica y preciosa”, responde Raúl de la Cerda -Ciudad de México 1998- al preguntarle sobre la materialidad de su país natal. De la Cerda es un diseñador industrial con alma de antropólogo quien desde hace una década ha hecho nombre a punta de propuestas limpias, necesarias e innovadoras, y aunque la forma suelta de narrar su trayectoria la hace ver fácil, esta ha sido labrada a pulso. “La inspiración existe, pero te tiene que encontrar trabajando”, una reconocida frase de Pablo Picasso que Raúl tiene tatuada en su mente como un leitmotiv.

Estudió Diseño Industrial en la Universidad de Anáhuac (2012) y más adelante cursó una maestría en el programa European Design Labs del IED de Madrid. Comenzó su trayectoria como director creativo en C Cubica Arquitectos bajo el madrinazgo de Andy Cesarman con quien exploró el principio del reciente boom del diseño mexicano desde Arte Línea. “Junto con Andy, buscamos la manera de incorporar a nuevos diseñadores mexicanos y enseñarles desde la producción mínima viable de una pieza , hasta fotografías, costeos, planos, y todo este trabajo y desarrollo necesario para realmente tener un producto en forma final”, cuenta Raúl. Esto fue en el 2017 y al día de hoy, ese proyecto mentor ha dado frutos notables qué posicionan el diseño mexicano como un referente mundial.

De forma paralela abrió su propio despacho De la Cerda Studio que cubre dos frentes: el de la arquitectura y el interiorismo y el del desarrollo de productos y mobiliario. En este último, su papel creativo se enfoca en la conceptualización y desarrollo del producto, para posteriormente trabajar con marcas como Difane, OMET y Breuer quienes se encargan de la producción, edición y comercialización de las colecciones. De estas colaboraciones, han nacido piezas icónicas cómo la consola y mesa Lätt, o la silla Apapchua.

Se podría decir que su juguete consentido por excelencia se llama Barón y Vicario. Una marca de diseño conceptual creado por el mismo, la cual explora técnicas artesanales mexicanas. Si bien De la Cerda afirma qué no le gusta encasillarse en un estilo u estética especifico, es aquí en dónde se evidencia esa afinidad por las formas curvas y el diseño orgánico. “Es ese tipo de líneas las que se sienten rico. El diseño es algo más que consumes y es delicioso así como una Venus prehispánica que era gordita y abrazable, no toda flaca y enclenque, así veo el diseño”, agrega.

Cuando no se encuentra en un taller explorando materiales pétreos, puede estar inmerso en el Museo de Antropología de México imaginando una nueva colección. O caminando perdido en alguna ciudad que lo inspire siempre con su libreta de bocetos en la mano, la mente volando y esa gran sonrisa que lo caracteriza. Diez años después de haber comenzado su propia historia de diseño, hoy cuenta con un nombre que equivale a diseño consolidado.

@rauldelacerda_

rauldelacerda.com

“De niño solía coleccionar insectos en los viajes familiares a la finca y, desde ese entonces, he sentido cierta fascinación por su fisionomía y diseño”, narra el diseñador industrial colombiano y creador de la colección Insecta, Alejandro Tapias. Y si bien, esta experiencia lo marcó, solamente cuando se topó con un ejercicio de abstracción geométrica animal en un viaje que realizó a Tailandia, recordó esta pasión lejana y decidió traerla de vuelta dentro de su propuesta cómo diseñador para Alta Estudio.

Así nace Insecta, una colección de piezas de diseño utilitarias talladas por la comunidad Kamëntsá en maderas de urapán, cedro e incienso y enchapadas en chaquiras en vidrio por los mismos artesanos. Se trata de joyeros, torteros, fruteros y cucharas cuyo diseño se origina del ejercicio de abstracción de las formas de grillos, polillas, escarabajos y orugas entre otros.

“Muchas personas le tienen pánico a los insectos, y con este trabajo busqué de alguna manera rendirle homenaje a su belleza y rareza, y al mismo tiempo traerlos al universo de lo doméstico”, añade Tapias.

La técnica de talla en madera y enchape en chaquiras es mundialmente conocida cómo un producto de la artesanía indígena de la comunidad Kamëntsá, ubicada en el Valle de Sibundoy en el departamento del Putumayo, en la frontera sur de Colombia. Sin embargo, su uso tradicional se suele ver aplicado a máscaras y bancos ceremoniales. Por su lado, Alta Estudio es una práctica de diseño enfocada en el desarrollo de productos de iluminación, mobiliario y accesorios con un alto componente artesanal. “Con cada colección busco explorar y encontrar alguna conexión con una nueva técnica representativa de la cultura ancestral colombiana. Para la colección Insecta, llegué a un trabajo de co-creación con los artesanos de esta remota comunidad”, cuenta el diseñador, quien a su vez confiesa que este fue un gran experimento, ya que el desarrollo de las piezas se hizo de forma remota debido a las restricciones en la movilidad a causa de la pandemia. “Nos comunicábamos por teléfono, yo les enviaba los diseños con la disposición y gama cromática de cada chaquira y ellos se encargaban de interpretar estos en las piezas físicas. Fue un reto, pero dio grandes frutos en donde surgió una generosa y respetuosa relación entre diseñador y artesano”, añade Alejandro Tapias.

De cuarenta y cinco mil a sesenta mil chaquiras se necesitan para lograr el efecto óptico de cada una de estas piezas, que hoy cuentan con un aproximado de treinta y dos patrones de donde escoger. Piezas que, como su creador las describe, pertenecen al mundo del lujo artesanal gracias a su gran trabajo de innovación y mano de obra. Todos los diseños y su historia se pueden conocer y adquirir directamente en la página web, altaestudio.co.

Zoom al diseñador

El colombiano Alejandro Tapias, egresado de diseño industrial del IED–Instituto Europeo de Diseño de Madrid, España, tiene a su haber una maestría en diseño conceptual dirigida por el reconocido diseñador valenciano Jaime Hayón. Una vez radicado en su país de origen, Tapias explora en la coordinación de producción y diseño de la marca de cerámica Tybso para luego lanzarse a abrir su marca propia Alta Estudio, que busca desde 2016 trabajar con técnicas ancestrales dentro de propuestas innovadoras dentro del mundo del diseño artesanal contemporáneo.

Mucho se ha dicho sobre el florecimiento productivo que vivieron los creativos durante el confinamiento obligatorio que trajo la pandemia del 2020. En el caso del arquitecto y director creativo de OCHOINFINITO, Carlos Garzón, esto no fue la excepción. Como buen bogotano siempre ha buscado estar lo más cerca posible a los icónicos cerros orientales, estos son como un faro para la ciudad. Tenerlos en frente, pero no poder palparlos como lo hacía de forma habitual antes del confinamiento lo llevó a iniciar un recorrido imaginario de esos elementos naturales que hacen parte de los cerros. Una flora y fauna que de pronto se volvió inaccesible.

Fue entonces que buscando inmortalizar la flor del sauco, el diente de león, la bruma fría y los pájaros migratorios, entre otros, cuando Garzón comenzó a tomar fotografías y bocetar de forma abstracta en su cuaderno de dibujos lo que para él representaba estar tan cerca, y la vez tan lejos, de los cerros. “Quería traer esa vegetación al interior de la casa. Encerrados durante tanto tiempo, sentíamos ansias por la luz natural y, sobre todo, por la naturaleza”, cuenta Carlos Garzón al describir el proceso creativo de la nueva colección de la marca la cual abarca: mobiliario, platos, cojines, manteles, telas estampadas e impresiones gráficas decorativas. “También hice un análisis de las policromías de la ciudad. Los colores a las diferentes horas del día, desde los amaneceres de las 4:30 a.m., hasta los atardeceres en la noche”, añade.

Esta nueva propuesta de piezas utilitarias de uso diario y de objetos de colección, que presenta la marca OCHOINFINITO, la cual se ha caracterizado por crear únicamente ocho piezas de cada colección que lanza, es un homenaje muy personal al recuerdo de una Bogotá pasada. “Los platos, en especial, tienen esa remembranza a las vajillas de Bavaria que tenían nuestros abuelos” agrega Garzón.

“Sin embargo, a diferencia de otras colecciones, para esta, quisimos añadir sets completos de tres platos, con diferentes diámetros para crear juegos gráficos interesantes”, añade Juan Camilo Serna, gerente general de OCHOINFINITO.

Con un trazo fuerte y claramente masculino, Carlos Garzón hace énfasis en que la mezcla orgánica de la flora con la geometría abstracta tiene una razón de ser, ya que en algunos casos, representan la línea de horizonte de los cerros al verla a lo lejos. Así como los contraluces tan marcados de esa luz bogotana que no da grises medios. Para complementar, la paleta de colores que varía entre el verde, el gris, los acentos naranjas, el vinotinto, el fucsia y el terracota, entre otros, colorean las interpretaciones gráficas de la naturaleza capitalina que toman una forma indefinida y más contemporánea en todas las piezas de la colección.

En palabras de sus creadores Bosques de Niebla es un tributo a ese telón verde brumoso tan bogotano que siempre está ahí y muchas veces lo damos por sentado.

Arte y objeto

OCHOINFINITO es una marca de diseño decorativo que se ha destacado por entregar piezas de arte utilitario para el hogar. No les interesa lo masivo ni nada que “esté de moda”. Una filosofía que ha funcionado en el pasado y por la cual la marca se ha dado a conocer.

En cuanto al diseño del mobiliario de la colección Bosque de Niebla, tanto Carlos Garzón como Juan Camilo Serna quisieron añadirle un toque especial al invitar en un trabajo colaborativo a los artistas visuales Angélica María Zorrilla y Andrés Valles quienes intervinieron algunas de las piezas. “Me sorprendió la visión de Angélica al haber hecho su dibujo del sauco —planta usada comúnmente para los problemas relacionados con las vías respiratorias— sobre bolsas de té. Y también, trayendo a colación la existencia de un animal que es un zorrillo colombiano, que vive en los cerros y se dejó ver en la pandemia”, narra Garzón.

Con una visión y estética completamente opuesta, la propuesta de Andrés Valles hace alusión a la cartografía de las montañas de la sabana y al embalse de San Rafael, el recurso hídrico de Bogotá.

“Lo más interesante de esta colección fue que comenzó como un proyecto propio e íntimo de OCHOINFINITO y que más adelante formaría parte de una convocatoria del distrito y la Alcaldía local de Chapinero, en la cual participamos y ganamos. Fue gracias a esta iniciativa, la cual buscaba reactivar el sector, que nos vimos atraídos a involucrar tanto colaboradores como proveedores locales para, de esta manera, hacer una colección ciento por ciento hecha en Bogotá”, finaliza Serna.

“Una imagen dice más que mil palabras”. Un proverbio popular que se repite de generación en generación y que en este caso se aplica a la perfección. Desde que se rompió la brecha comunicativa entre las comunidades indígenas y la sociedad occidental, estas dos culturas han podido intercambiar saberes y oficios. Dentro de estos intercambios, se podría decir que el comercio de piezas y objetos ha penetrado con mayor contundencia en la vida urbana de forma utilitaria o decorativa. Cerámicas, textiles, canastos, hamacas, jarrones y maderas, entre otros, son elementos que han marcado la cultura icónica de lo que hoy en día se entiende como la casa colombiana.

Sin embargo, pocos saben que detrás de los patrones gráficos que adornan estas piezas existe todo un lenguaje simbólico que muchas veces narra historias. Un ejemplo de esto es la comunidad Sikuani, que a través de la talla en madera de bancos, bateas, y bastones ceremoniales abstrae los símbolos del aire con una versión autóctona del cóndor o la mariposa tapi, el agua con la rana y el fuego con la serpiente.

Otras comunidades, como la Ticuna, Arahuaca y Wayuu, utilizan el tejido y la tintura de textiles en chinchorros, tapetes, mochilas y máscaras para representar momentos ceremoniales como, por ejemplo, el ritual de la pelazón ticuna o los kanaas wayuu; uno y otro representando el proceso de una niña convirtiéndose en mujer.

Actualmente, dentro del diseño artesanal contemporáneo, este recurso gráfico es ampliamente utilizado dentro del camino creativo para proponer piezas realmente innovadoras. En muchos casos, los creadores regresan a la base de sus diseños para producir interpretaciones gráficas que cuenten sus propias historias. De esta manera, muchas veces al adquirir una pieza ancestral o una contemporánea, terminamos conviviendo con libros abiertos que nos invitan a conocer otros mundos desde lo gráfico.

Una vida andada por caminos recónditos para llegar a los destinos más sublimes y memorables de nuestro querido México. Alberto Alcocer presenta una serie de fotografías aéreas de paisajes naturales que te quitarán el aliento.

El azul profundo del mar de Cortés; las rutas entre montañas para manejar horas entre el bosque con un sinfín de pueblos artesanos. Postales para celebrar nuestra mexicanidad recorriendo el país buscando aire puro en cualquiera de sus mágicos destinos.

Sus ojos están continuamente atraídos por la luz natural, siempre en constante cambio. Su perspectiva está construida a base de profundidades, capas y dimensiones.

A través de estos viajes, sus experiencias continúan moldeando mi vida y mi viaje.

En un mundo en el que se toman diariamente millones de fotos, Alberto busca ofrecer una nueva perspectiva del mundo a través de sus ojos.

La fotografía de paisajes tiene que ver con la luz, y una gran luz acentuará el paisaje y le dará una tridimensionalidad.

El papel definitorio de la luz juega en la captura del estado de ánimo de un paisaje.

Y aprovechar la mejor luz que proporciona la naturaleza es lo primero que busco como fotógrafo.

En esta ocasión, dedico este breve espacio a una de las personas más importantes en mi carrera profesional, el arquitecto e intelectual mexicano Antonio Toca (1943-2021). De mente extraordinaria y corazón sincero, un orgullo nacional por su arquitectura honesta y sin pretensiones; elegante y caballero como antaño, y humilde como pocos...

Durante mis 13 años en Architectural Digest, tuve la fortuna de llamarlo mi consejero editorial, que a la vez fue un verdadero apasionado de su querida AD, colaborador asiduo y gran guía. Incansable hacedor de equidad y comunidad a través de su labor como docente, urbanista, arquitecto y ser humano. Promotor del talento nacional, de los jóvenes emergentes y del saber hacer ancestral. Admirador, defensor e impulsor de la mujer en la escena creativa.

Un ser con una calidad humana excepcional y admirable, al que tuve la fortuna y el honor de llamarlo mi amigo (entrañable y muy querido), mi mejor crítico y mi gran cómplice de lecturas y tertulias; maestro de innumerables enseñanzas, e invariablemente mi compañero de asiento, de ideas y de infinitas risas.

Y es que, sólo puedo darle la razón a K.C.: "Hay vidas que tocan el alma de quienes las rodean, y la suya inspiró a quien tuvo la fortuna de escucharlo hablar apasionadamente sobre lo hecho en México, del compromiso social de la arquitectura, de aquellas mujeres creativas que no han sido debidamente reconocidas y sobre la vida misma; de trabajar a su lado o de leer sus pensamientos".

Antonio, siempre fuiste luz y sabiduría en mi camino durante más de 12 años.

Gracias por lo compartido, lo vivido y lo aprendido. Mi mente, mi corazón y mis acciones te honrarán por siempre.

Hasta pronto, querido amigo y maestro.

Ubicada en la Condesa, CASA OCTAVIA es la fusión perfecta entre el mundo de la moda y la arquitectura. Creada con la intención de trasladar los valores de la marca OCTAVIA a un espacio habitable, donde el valor lo natural, simple, limpio, honesto, fresco se trasladan a un espacio arquitectónico, diseñado para que el usuario pueda vivir una experiencia de alojamiento única en la Ciudad de México.

Diseñada por PPAA Pérez Palacios arquitectos Asociados, este proyecto busca sumarse como una pieza más dentro del tejido urbano, creando espacios que se abren a la ciudad y en especial al peatón, ideales para fomentar la comunidad y dividiendo los espacios. La planta baja libre de esta increíble construcción cuenta con un carácter público fomentando encuentros entre la ciudad y los huéspedes, mientras que las zonas privadas se encargan de transmitir el mensaje de la marca de forma mucho más personalizada.

Cada habitación y espacio dentro de CASA OCTAVIA tiene un significado mucho más profundo, donde el espacio público de la casa tiene múltiples configuraciones y aperturas controladas, puede ser desde propiamente una extensión de la calle hasta un espacio más definido donde puedan albergar diferentes tipos de actividades, desde tomar un café y un desayuno hasta convertirse en una tienda o simplemente un lugar de reunión, además de que esta zona visualmente se comunica con el exterior.

En contraparte con el elemento público de este espacio, las habitaciones tienen como prioridad la privacidad. Con dos bloques de habitaciones, uno de ellos en la parte posterior abierto al patio y otro en la parte frontal viendo a la calle, se crea un espacio personal donde cada cuarto tiene su propio carácter para experimentar con la luz, la ventilación y los materiales. Además en este espacio se aprovechó la azotea para tener otro lugar público sin estar en contacto directo con la ciudad, creando una zona ideal para desconectarse de la ciudad y conectar con uno mismo en un espacio exterior rodeado de naturaleza.

Al igual que una prenda OCTAVIA, este alojamiento tiene un especial cuidado por los detalles y por las necesidades específicas de cada usuario, usando solo materiales naturales y en su estado más puro, con una manufactura exquisita hacen que no solo se sienta armonioso, sino que al mismo tiempo atemporal, creando el balance y la mezcla perfecta entre el mundo de los detalles de la moda y los espacios personalizados de la arquitectura.

Rossana Orlandi es conocida como la gran dama de las galerías de diseño internacional y recientemente visitamos su más reciente aventura. A la vuelta de la esquina de su famosa Galería Rossana Orlandi en Milán, Italia, se encuentra bistRo di Aimo e Nadia, un proyecto colaborativo con uno de los dúos culinarios más renombrados de la ciudad, Alessandro Negrini y Fabio Pisani, quienes están detrás del restaurante milanés Aimo e Nadia, acreedores a dos estrellas Michelin. Este espacio reúne lo más conocido de Italia, comida y diseño y es un spot que no te puedes perder gracias a que el restaurante irradia el espíritu de una galería, en donde la hospitalidad, el confort y el bienestar son fundamentales para darle la bienvenida a los amantes del arte, el diseño y la gastronomía.

Los dos chefs se encargaron de todo el equipamiento de las áreas técnicas, la cocina y el bar, mientras que Rossana y su equipo se dedicaron a convertir el espacio en una experiencia sensorial, donde los colores, las texturas, la luz y el mobiliario se vuelven parte de una impresionante sinergia, que al encontrarse con los sabores creados por el dúo de chefs se vuelve incomparable. El interior es completamente representativo del estilo de Rossana Orlandi, con un mobiliario muy ecléctico, una mezcla de épocas, materiales y estilos que pone de manifiesto por qué Orlandi es considerada un ícono.

Este increíble bistRo luce icónicas piezas, como la pantalla de ámbar y latón del diseñador británico McCollin Bryan o la Hot Kettle Transformation de Nacho Carbonell. Pero también hay piezas vintage o más sencillas como el cepillo de baño “Charley” de Seletti. Además el bistrot está en constante evolución, siguiendo con la idea de Rossana quien cree que el interior es un lugar vivo que debe vivirse, “Todo debe ser utilizable, de lo contrario no tiene sentido” Orlandi explicó.

Entre espectaculares platillos culinarios y eclécticas piezas de arte, el bistRo se destaca, dejando claro que este local no es sólo un restaurante, sino una gran parte de lo que es Rossana Orlandi, así demostrando que esta dama de las galerías sigue siendo una de las figuras más influyentes del mundo del arte y ahora también de la gastronomía.

Casa Quieta es una galería de diseño contemporáneo con enfoque en mobiliario, arte y objetos primordialmente hechos a mano con manufactura artesanal.

Los arquitectos Maritza Lara y Daniel Cruz Maldonado fijaron la mirada en el edificio que fuera La Galería fundada por Juan Martín en 1961 y dirigida por Malú Block y Graciela Toledo, la cual acogió a un grupo de artistas llamados “Generación de la Ruptura”, cuyo fin era realizar obra distinta a la entonces llamada Escuela Mexicana.

Ubicada en Dickens 33B desde 1988 hasta 2021, la galería de Juan Martín se caracterizó por ser una plataforma de expresión de voces disidentes. Exhibió geometrismo, abstraccionismo, informalismo neofigurativo y cualquier otra forma de arte que en ese momento no tenía cabida en espacios oficiales.

Albergó artistas como Francisco Toledo, Manuel Felguérez, Alberto Gironella, Vicente Rojo, Gabriel Ramírez y Roger von Gunten. Fotografía de Manuel y Lola Álvarez Bravo, Graciela Iturbide, Pedro Valtierra y Pablo Ortiz Monasterio. Escultura de Sebastián, Jorge Yázpik, Alba Rojo, Marina Lascaris, Palle Seiersen, y Marta Palau, entre otros.

Hoy es vestida por la extraordinaria propuesta de Maritza y Daniel, en donde todo el mobiliario es de diseño propio y se complementa con accesorios que compaginan con la estética de Casa Quieta. Marcas de iluminación como Natural Urbano y Bandido, cerámica de Encrudo, Finiiri, Zamaa y Promesas de Tierra, arte de Raúl de La Cerda y Diego Hernández Beauroyre y otras casas creativas mexicanas que comparten su filosofía habitan el espacio. “Tanto nuestras piezas como las que seleccionamos para complementar el showroom cumplen con esta combinación de ser diseño contemporáneo y, al mismo tiempo, estar hechas artesanalmente.

Maritza y Daniel, dos jóvenes diseñadores promesa, apuestan por un diseño mexicano que habla de la belleza de los materiales naturales de la fusión entre lo artesanal y lo contemporáneo y que declaran una nueva definición de lujo, tan esencial y minimalista como sereno y atemporal.

Percibir lo invisible es un don casi mágico: una ola que acaricia la arena, un gesto furtivo, el aire que sopla el viento, los monumentales trazos que nos regala la arquitectura, o una mirada llena de melancolía.

Alberto Alcocer, mejor conocido como Beco, captura gloriosos instantes que reflejan su goce por la vida y pasión por las matemáticas. El Guggenheim y el Museum Mile de Nueva York, los colosos sobre la Castellana en Madrid, las galerías de PostStreet y del Barri Gòtic han educado su ojo.

Jugar con la luz del sol, los contraluces y las sombras es su pasión; es paciente y generoso con las expresiones y movimientos que se suscitan ante él y su cámara; el photoshop es antítesis de su trabajo.

En sus imágenes nos deja ver que su capacidad de asombro está a flor de piel; la escena puede ser simple y casi imperceptible al ojo, pero él captura lo extraordinario de ello.

Su fotografía es, quizá, su forma más libre de expresión, no está sujeta a ningún canon, ni concierto. Alberto tiene el talento de hacer que los espectadores no sólo admiren un objeto, una escena o una imagen, sino que vivan una emoción, un instante y así, completen el resto de la historia.

Su obra está en beco.mx o en @beco.mx

La marca de diseño danesa Warm Nordic trajo de vuelta un diseño icónico de décadas de antigüedad de 1957 concebido originalmente por el arquitecto danés Hans Olsen. También conocida como Modelo 107, la silla Gesture es un diseño nórdico clásico que definitivamente trasciende el tiempo y las tendencias en el diseño.

La silla está moldeada a partir de una sola pieza de madera que forma el respaldo y los brazos, un ejemplo de la fascinación de Hans Olsen por este método de fabricación.

La silla Gesture está disponible en varios colores y tapizados o en madera pura. Ya sea que se use como silla de comedor o de escritorio, Gesture agrega calidez e invita a la relajación en cualquier entorno.

Con una estética y funcionalidad especifica, el diseño de FOLIES se sintoniza con la premisa de romper con el esquema del ornamento innecesario y lo hace al experimentar con la purificación de materiales como la madera, el metal y los textiles dentro de formas geométricas; todo esto, sin tocar las tendencias minimalistas contemporáneas. FOLIES es diseño que le apuesta al concepto de crear nuevos clásicos. Son piezas que nacen de las necesidades del estilo de vida actual de la vida urbana y cosmopolita latino- americana. Su manufactura es cien por ciento local, lo que influye directamente en el resultado final estético y sostenible que refleja una identidad de diseño colombiano dentro de un mundo abierto y conectado.

PASADO, PRESENTE Y FUTURO. Tres tiempos que marcan el ADN de FOLIES, una marca colombiana de diseño que, inspirada en el ingenio y la estética del pasado moderno, busca crear piezas prácticas e indispensables para el presente pero que, sobre todo, sobrevivan en el futuro.

Jimena Londoño y Eugenia Robledo nacieron en Manizales, una ciudad en la zona cafetera colombiana, pero fue Bogotá la que las conectó. Londoño es arquitecta e interiorista egresada de la Universidad Nacional. Robledo se graduó de Diseño Industrial de la Universidad Jorge Tadeo Lozano y cuenta con estudios en diseño de producto del Instituto Europeo di Design (IED) de Barcelona. Esta mezcla de experiencias y oficios, que cada una de ellas trae consigo, hacen de FOLIES una propuesta balanceada entre lo funcional y lo estético. Tanto Londoño como Robledo se sienten cómodas con el ritmo que la propia marca les ha pautado. Además, confiesan que se sienten en una especie de punto de partida de infinitas posibilidades para seguir explorando o, en sus propias palabras: “deconstruyendo” materiales, formas, estilos e historias que les brinda la vida urbana y cosmopolita latinoamericana. FOLIES se convirtió en un laboratorio en constante producción de nuevas ideas y soluciones prácticas.